DKaDa’7- Programa 6 de Septiembre de 2011

DkaDa’7 siempre con lo mejor de la música de los setenta.

Esta mañana la cabeza me daba vueltas pensando sobre que escribir en el blog y gracias a un amigo del Facebook me vino el chispazo a la cabeza.

El amigo me mando un link sobre algunas de las canciones de los setenta que han sido y seguirán siendo usadas para apoyar a los diferentes comerciales de productos y/o servicios que a diario son anunciados.

Se comenta que todo comenzó en el año de 1971 cuando la Coca Cola contrato los servicios de Roger Cook, Roger Greenaway, Bill Backer y Billy Davis para escribir el tema, “Me Gustaría enseñarle al mundo a cantar”, fue tanto el impacto que tuvo esta canción en la gente y por supuesto en los consumidores, que fue grabada posteriormente por el grupo The New Seekers llegando al primer lugar.

A partir de ese momento las agencias de publicidad no tuvieron otra alternativa que pensar dos veces en el tema musical de ambientación que llevaría el comercial, porque resulto tan importante como el producto en si. Tomo menos de diez años en que esta practica se universalizara, al darse cuenta las agencias de publicidad del profundo impacto que la música tiene en la venta de un producto y/o servicio.

Estoy tratando de encontrar una razón lógica del por qué se utiliza la música de los setenta en muchos de los comerciales que vemos en la actualidad. Prometo seguir en mi investigación.

Por ahora los dejo con una pequeña muestra de las canciones de los setenta y los comerciales.

1. Cadena Nacional ABC utilizando Orleans’s “Still The One”

Promoción de su programación ( 1977).

2. Telefónica AT&T Marcar el 00 para Información Pilot’s “Magic”

3. Restaurantes Applebee’s utilizo Seduction’s “It Takes Two”

Para promover “Llévate dos del que quieras”.

4. Burger King utilizando Van McCoy’s “The Hustle”

Para promover sus chicken sandwiches.

5. Banco Capital Utilizo a Kool and the Gang’s “Jungle Boogie”

6. Marca de vehículos Chevrolet utilizo a los Spinners’s con “I`ll be around”

Para el lanzamiento del nuevo Chevy

7. Compañía farmacéutica Clarinex utilizo The Who’s “”Overture” Tommy”

8. Coca Cola utilizo Hilltop Singers’s “I’d Like To Teach The World To Sing”

Uno de los comerciales mas clásicos, posteriormente la Coca Cola le cambio la letra a “I’d Like To Buy The World A Coke”

10. Compaq Presario utilizo la cancion de Harry Chapin’s “Cat’s in the Cradle”

Una cancion que normalmente le sacaria las lagrimas a uno, en este comercial no deja uno de reirse.

11. Ford Vehicles usando Queen’s “We Will Rock You”

12. General Motors usando The Ides of March’s “Vehicle”

Lanzamiento de los vehículos 2002. Curiously.

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Los invito a que continúen escuchando DkaDa’7 los días martes de 7 a 9 pm en 102Nueve y su repetición los días sábados de 5 a 7 pm.

Hasta el próximo martes, aaahhhh y no se les olvide descargar el podcast.

DKaDa’7- Programa 30 de Agosto de 2011

DkaDa’7 siempre con lo mejor de la música de los setenta.

El ultimo martes de cada mes como ya se nos hizo costumbre presentamos una muestra completa del trabajo de una banda setentera, convertida en álbum.

Asi es como este marte llevamos hasta sus receptores, Song For America de la banda norteamericana, Kansas.

Brevemente, Kansas es una banda originaria de Topeka, Kansas cuyos mayores logros los obtuvieron entre los años 1976-1986. Las canciones mas conocidas fueron, Carry on Waywards Son, Dust in The Wind.

El álbum que les fue presentado este martes se trato de Song For America. Segundo álbum en su haber, lanzado en febrero del año de 1975 bajo el sello discográfico Kirshner.

Musicalmente hablando el álbum contiene una gran cantidad de complejos arreglos musicales para guitarra eléctrica y acústica, así como para violines y teclados.

La percepción del público no cambio mucho hacia Kansas con el lanzamiento de este álbum. Sin embargo la banda ya contaba con un buen numero de seguidores que iban de presentación en presentación.

Los críticos fueron muy optimistas con el trabajo de la banda en este disco, muchos incluso catalogaron a Song For America como su mejor trabajo progresivo y de rock pesado ya que el resto de su trabajo transito en un formato mas suave.

En el álbum su mas claro ejemplo del sonido rock pesado lo dan en Down The Road (Kerry Livgren, Steve Walsh) – 3:43 quienes tuvieron a su cargo la mayoria de las composiciones de este álbum.

Integrantes:

Phil Ehart – drums

Dave Hope – bass guitar

Kerry Livgren – guitar, keyboards

Robby Steinhardt – violin, vocals

Steve Walsh – keyboards, vocals

Rich Williams – guitar

Contenido:

1 “Down the Road” (Kerry Livgren, Steve Walsh) – 3:43

2. “Song for America” (Livgren) – 10:03

3. “Lamplight Symphony” (Livgren) – 8:17

4. “Lonely Street” (Phil Ehart, Dave Hope, Rich Williams, Walsh) – 5:43

5. “The Devil Game” (Hope, Walsh) – 5:04

6. “Incomudro – Hymn to the Atman” (Livgren) – 12:11

2004 CD relanzamiento con bonus tracks

7. “Song for America” (Single edit) – 3:02

8. “Down the Road” (Live) – 3:48

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DKaDa’7- Programa 26 de Junio de 2011

DkaDa’7 siempre con lo mejor de la música de los setenta.

Continuando con la tradición de traerles el último martes de cada mes la presentación de un álbum de un gran grupo de los setentas, este martes 26 les presentamos juntos con Rafael Alfaro, UK The álbum.

UK fue un supergrupo de rock progresivo británico de corta vida, ya que mantuvo su actividad desde 1977 hasta 1980.

En septiembre de 1976, el vocalista y bajista John Wetton y el batería Bill Bruford (ex miembros de King Crimson) comenzaron a trabajar en una nueva banda con el teclista Rick Wakeman, de Yes. Sin embargo, la compañía discográfica A&M Records vetó el proyecto, diciendo que no podían dejar escapar a Wakeman con la base rítmica de King Crimson, y éste tuvo que ser abortado.

Wetton encontró al teclista y violinista Eddie Jobson, a quien conocía de su trabajo con Roxy Music, y Bruford reclutó al guitarrista Allan Holdsworth, antiguo miembro de Soft Machine y Gong. De esta manera, UK editó su primer álbum de estudio en 1978, titulado Feels Good to Me, y captó la atención de los fans del rock progresivo y del jazz fusión.

Después de diversas giras por el Reino Unido y los Estados Unidos, Bruford y Holdsworth dejaron el grupo. Bruford formó la banda que lleva su nombre, Bruford, y Holdsworth se unió a ella poco después. Posteriormente a la marcha de ambos músicos, UK no reclutó a ningún guitarrista, adquiriendo como novedad al batería Terry Bozzio, ex integrante de la banda de Frank Zappa. Este trío publicó Danger Money, su segundo trabajo, en marzo de 1979, y dio una gira de teloneros de Jethro Tull en Norteamérica. De esta serie de conciertos salió el disco en directo Night After Night. Después de otra gira por Europa y los planes para grabar otro disco de estudio, UK se separó en 1980.

UK The álbum:

UK es el álbum debut del supergrupo de la banda británica de rock progresivo UK. aparecen John Wetton (exmiembro de Family, King Crimson, Uriah Heep y Roxy Music), Eddie Jobson (exmiembro de Curved Air, Roxy Music y Frank Zappa), Bill Bruford (exmiembro de Yes y King Crimson) y Allan Holdsworth (exmiembro de Soft Machine y Gong). Fue lanzado en 1978 a través de E.G. Records / Polydor. Los dos sencillos extraídos del disco fueron “In the Dead of Night” y “Mental Medication”.

Lista de Canciones:

Cara A

1. “In the Dead of Night” (Eddie Jobson, John Wetton) – 5:38

2. “By the Light of Day” (Jobson, Wetton) – 4:32

3. “Presto Vivace and Reprise” (Jobson, Wetton) – 2:58

4. “Thirty Years” (Wetton, Jobson, Bill Bruford) – 8:05

Cara B

1. “Alaska” (Jobson) – 4:45

2. “Time to Kill” (Jobson, Wetton, Bruford) – 4:55

3. “Nevermore” (Allan Holdsworth, Jobson, Wetton) – 8:09

4. “Mental Medication” (Holdsworth, Bruford, Jobson) – 7:26 (en las primeras copias del LP aparece listado con una duración de 6:12)

Note: Las tres primeras pistas pertenecen a una suite titulada “In the Dead of Night.”

Personal

* Eddie Jobson – Violín eléctrico, teclados, electrónica

* John Wetton – voz principal, bajo

* Allan Holdsworth – guitarra

* Bill Bruford – batería, percusión

Sencillos

* “In the Dead of Night” / “Mental Medication”

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DKaDa’7- Programa 19 de Junio de 2011

DkaDa’7 siempre con lo mejor de la música de los setenta.

Esta vez vamos a tocar un tema diferente pero siempre relacionado con la música. Muchos son los yentes que me consultan al programa o a través de mi correo, como se hace para bajar música de la internet.

Dejenme comentarles que antes era mucho mas sencillo por la cantidad de lugares que existian en el ciberespacio, pero tambien hoy existen mas y mejores herramientas para lograr nuestro objetivo.

Recuerdo cuando contabamos con programas como, Napster, Ares, Limewire, Kazaa, Emule, Overnet y muchos otros para lograr nuestro propósito de descargar música que deseabamos.

Casi siempre ha sido regla general que cuando desaparece de la red un programa para descargar música, casi de inmediato ponen a disposición otro mas. Ese ha sido el caso de Napster, Ares Limewire y Frostwire, eMule y Overnet y tantos otros. Asi que no nos aflijamos si desaparece el que usamos porque en unos días saldrá otro.

Lo primero que tienes que hacer es armarte de mucha paciencia si lo que quieres es descargar musica viejita, como es mi caso.  Yo en lo personal nunca he tenido mayores problemas en encontrar las canciones a las cuales yo llamo de cajón, o sea esa que fueron super hits en los setentas. Las que si me dan “duro” son las que pegaron en El Salvador y no fueron muy conocidas a nivel mundial.

Voy a mencionar algunos de los programas de los cuales yo me valgo para tener en un buen porcentaje la mayoria de canciones que fueron éxito en los setentas.

Antes de armarte de paciencia, asegurate de tener un listado de las mejores canciones de la década de los setentas. Esto lo podras encontrar en http://www.superseventies.com/ que es una excelente fuente de información.

Una vez ya tengas tu listado haz otra lista con las canciones que deseas bajar. Te recomiendo lo hagas por año para no ir saltando del año 1970 a 1978 por dar un ejemplo.

Para dar el siguiente paso, instala en tu computadora el programa Frostwire y también el uTorrent (este último se maneja de forma diferente). Si tienes suerte con el primero bastará para lograr tu objetivo, caso contrario vas a tener que recurir al uTorrent.

Para echarle mano al uTorrent tendrás que ingresar a una página como: www.torrentz.eu o cualquier otra que pueda porporcionarte un archivo torrent. Digitas el nombre del artista, o el nombre del álbum o solamente el nombre de la canción. En el resultado de la busqueda te dará varias alternativas elije una a tu conveniencia y procedes a descargarlo de cualquiera de los lugares que está disponible el achivo. Este archivo torrent solamente podrás abrirlo con el Frostwire o con el uTorrent. Este último programa tiene sus ventajas y desventajas para trabajar con el. La desventaja que yo le veo, es que descargas todo el álbum, o puedes quitarle la selección a las canciones que no te interesan bajar. Y la ventaja es que si te interesan varias canciones de ese mismo CD lo puedes hacer en una misma bajada.

Existe otra alternativa y es irte direcamente a Youtube buscas la canción que te interesa y abres otra página con cualquiera de las siguientes direcciones www.video2mp3.net o www.vidtomp3.com copias la dirección del video que te interesa extraerle la música, lo pegas en una de las páginas y sigue las indicaciones que te van guiando como convertir el video en música.

Espero que de una manera breve haya podido explicar algunos pasos para que con mucha paciencia vayas armando tu propia audioteca.

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DKaDa’7- Programa 12 de Junio de 2011

DkaDa’7 siempre con lo mejor de la música de los setenta.

La Plata, Provincia de Buenos Aires, Argentina, 22 de mayo de 1937 - Ciudad de Guatemala, 9 de julio de 2011

Siempre lo he dicho al aire y en mas de alguna ocasión aquí en el blog, no me gusta tocar temas tristes o darle mas vueltas a las ya tan desdichadas noticias que nos desayunamos todos los días, pero no puedo dejar pasar por alto los acontecimientos que sucedieron en Guatemala el pasado sábado y que terminaron con la vida de el Gran Trovador del mundo, Don Facundo Cabral.

El mundo de la música, un mundo que se supone deberia ser feliz, lleno de optimismo, esperanza y alegria, se viste una vez mas de luto. En esta oportunidad le toco adelantarse a uno de los mejores cantautores de latinoamerica victima de mentes enfermas y de la violencia irracional en que vivimos.

Facundo Cabral tuvo una infancia dura y desprotegida; se convirtió en un ser de la calle al punto de ser encerrado en un reformatorio pues se había convertido en alcohólico desde los nueve años de edad. Tiempo despues escapa y luego cae preso a los 14 años por su carácter violento. En la cárcel, un sacerdote jesuita de nombre Simón fue quien le enseñó a leer y escribir, lo puso en contacto con la literatura universal y lo impulsó a realizar sus estudios de educación primaria y secundaria, los cuales llevó a cabo en tres años, en lugar de los doce que era el período normal en Argentina. Un año antes de salir de la cárcel, Cabral escaparía de la prisión, aunque recibió aún ayuda del sacerdote. Gracias a un vagabundo, Cabral conoce la religión aunque declarándose librepensador, sin pertenecer a iglesia alguna. Poco después, se iniciaría como músico y cantante en el medio artístico.

En 1959, ya tocaba la guitarra y cantaba música folklórica, admiraba a Atahualpa Yupanqui y a José Larralde, se trasladó a Mar del Plata, ciudad balnearia argentina, y solicitó trabajo en un hotel; el dueño lo vio con su guitarra y le dio la oportunidad de cantar. Así comenzó su carrera dedicada a la música; su primer nombre artístico fue El Indio Gasparino. Sus primeras grabaciones no tuvieron mayor repercusión. Luego se presentó con su apellido verdadero.

En 1970, grabó No soy de aquí, ni soy de allá que consagró su éxito. Empezó a ser conocido en el mundo, grabó en nueve idiomas con cantantes de la talla de Alberto Cortez, Julio Iglesias, Pedro Vargas y Neil Diamond entre otros.

Facundo fue influenciado en lo espiritual por Jesús, Gandhi y La Madre Teresa de Calcuta, predicó una especie de misticismo cristiano; en literatura tuvo admiración por Jorge Luis Borges con quien también mantuvo conversaciones filosóficas y por Walt Whitman. Este rumbo de observación espiritual, inconformista, se imprimió en su carrera como cantautor que tomó el rumbo de la crítica social sin abandonar su habitual sentido del humor. No se conoce que Cabral haya tenido participación militante en movimiento político alguno, aunque por muchos años abogó por el pacifismo como forma de solucionar conflictos autodefiniéndose como “violentamente pacifista” y “vagabundo firstclass”, se identificó en sus últimos años con una especie de anarquismo filosófico y contemplativo.

En reconocimiento a su constante llamado a la paz y al amor, la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (Unesco) lo declaró “Mensajero Mundial de la Paz” (1996). De hecho, el presidente Oscar Arias Sánchez de Costa Rica, lo propuso para el Premio Nobel de la Paz.

Por siempre viva Facundo Cabral que canto y predico al mundo con su música y su ejemplo.

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DKaDa’7- Programa 5 de Junio de 2011

DkaDa’7 siempre con lo mejor de la música de los setenta.

Dado que el pasado 3 de julio se conmemoraron los 40 años del fallecimiento del cantante, poeta, escritor estadounidense Jim Morrison (The Doors), vamos a comentar un poco sobre su vida.

 James Douglas Morrison Clarke nació en Melbourne (Florida) el 8 de diciembre de 1943. Sus padres eran Clara Clarke y George Stephen Morrison. Tuvo dos hermanos: Anne y Andy Morrison. Su padre era un militar estadounidense (almirante del primer navío nuclear). Desde niño, su familia debió trasladarse por varias ciudades de Estados Unidos debido a la carrera de su padre y vivir en diversas bases militares (a los catorce años de edad ya había tenido siete hogares). Según se cree, este tipo de vida sin apego a lugares o personas, caló profundamente en su forma de ser. Tenía un negro sentido del humor, escribía poesía, pintaba un poco y leía vorazmente. Desde muy joven estuvo fascinado por la literatura y la poesía.

James se marchó de su hogar a los diecinueve años. Era un muchacho alto y siempre desharrapado, podía utilizar la misma camisa día tras día hasta que se le caía a jirones, porque prefería comprarse libros a comprar ropa. Estudió en la Universidad Estatal de Florida y después cine en la UCLA, en Los Ángeles, formando parte de la misma generación que el famoso cineasta Francis Ford Coppola quien, años después, utilizaría el tema The End como soundtrack de introducción para Apocalypse Now, su película ambientada en la guerra de Vietnam. Jim logró graduarse pero nunca fue a recoger sus papeles, pues había perdido todo interés por la carrera y por la industria cinematográfica.

Se dice que tenía el elevado coeficiente intelectual de 149. Tras graduarse en la Universidad de California, tuvo un encuentro casual con Ray Manzarek, ex compañero de clases en la universidad y también músico (que estaba al frente de la banda Rick and the Ravens). Con intención de difundir su poesía, Jim le mostró un par de trabajos que podían ser musicados. Manzarek pidió que le cantara alguno y Jim, sentado en la suave arena de Venice, tímidamente, entonó los primeros versos de Moonlight Drive.

Junto a Ray Manzarek terminaron conformando The Doors, Manzarek en los teclados, Robby Krieger en la guitarra y John Densmore en la batería (estos dos últimos procedentes del grupo The Psychedelic Rangers), además de la voz de Morrison.

Después de dar muchos conciertos por locales de Los Ángeles, consiguieron un contrato para tocar en un bar conocido como “Whisky a Go Go”. Noche tras noche tocaban sus temas más populares, entre los que se encontraba una larga canción compuesta a base de improvisaciones denominada The End. Morrison añadía o quitaba de ella versos a placer, dependiendo de su estado de humor. Un día, después de haber consumido grandes cantidades de alcohol, marihuana y LSD, Jim tuvo que ser llevado por sus compañeros casi a rastras hacia el bar y, de alguna forma, lograron hacerlo cantar. Al llegar a la interpretación de The End, tal como hacía siempre, comenzó a improvisar sobre la música, pero aquel momento habría de terminar formando parte no sólo de la leyenda de The Doors sino de la cultura rockera en general.

Su actitud provocadora en escena, perturbando el orden público, hizo que sus conciertos fueran prohibidos en varias ciudades de los Estados Unidos. El 1 de marzo de 1969, fue llevado a juicio a raíz de una actuación en la que algunos asistentes afirmaron que enseñó sus genitales y simuló una masturbación. En 1971, ante el riesgo de ser condenado a prisión, decidió abandonar la música y radicarse en París, donde se dedicaría por completo a su mayor inclinación: la poesía.

 El 3 de julio de 1971 Jim Morrison fue encontrado muerto en la bañera de su piso del Barrio del Marais en París, Francia, donde vivía junto a su pareja y amante, Pamela Courson (aunque existen muchas otras versiones sobre su muerte, incluyendo la idea de un suicidio y de un asesinato). No hubo autopsia, pero se declaró que murió por un paro cardíaco, según su acta de defunción. Existen personas que ponen en duda la versión oficial, ya que las circunstancias fueron algo extrañas.

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DKaDa’7- Programa 28 de Junio de 2011

DkaDa’7 siempre con lo mejor de la música de los setenta.

En este blog platicaremos algo sobre el trío inglés, Emerson, Lake y Palmer y su álbum Trilogy.

Emerson, Lake y Palmer banda inglesa de rock progresivo que alcanzó su mayor popularidad en década de 1970, vendiendo más de 35 millones de discos y realizando multitudinarios conciertos. La espectacularidad de sus grabaciones y presentaciones les pusieron a la altura de las grandes bandas de su época. El trío, al mismo tiempo, preparó el camino a otras bandas progresivas para la difusión del género, pasando de una especie de aislaminto musical a convertirse en un fenómeno radiofónico.

Trilogy es el cuarto álbum de estudio de la banda de rock progresivo Emerson, Lake & Palmer, publicado en 1972.

Cuentan que le pidieron a Salvador Dalí que hiciera la portada, pero los honorarios del insigne surrealismo en persona prometían ser cualquier cosa menos modestos, así que lo dejaron para otra ocasión. La verdad parece ser que lo único que tiene que ver Dalí en ese enredo es que había pintado un cuadro en 1938 con el nombre “El enigma sin fin”, título cuyo significado coincide con el de la pieza que abre el disco.

En el interior de la cubierta que se hizo, obra de Storm Thorgerson, de Hipgnosis, hay un hermoso fotomontaje compuesto por múltiples imágenes del trío y un fondo arbóreo que es un paisaje del Epping Forest, un área boscosa entre el Gran Londres y Essex, con el suelo cubierto de hojas del otoño. Una pequeña maravilla.

Canciones

1. “The Endless Enigma, P. 1″ (Emerson, Lake) – 6:40

2. “Fugue” (Emerson) – 1:56

3. “The Endless Enigma, P. 2″ (Emerson, Lake) – 2:02

4. “From the Beginning” (Lake) – 4:15

5. “The Sheriff” (Emerson, Lake) – 3:22

6. “Hoedown” (Copland) – 3:46

7. “Trilogy” (Emerson, Lake) – 8:53

8. “Living Sin” (Emerson, Lake, Palmer) – 3:13

9. “Abaddon’s Bolero” (Emerson) – 8:07

En este álbum están contenidas algunas de las mejores canciones de la banda, incluyendo la balada acústica “From the Beginning”, compuesta por Greg Lake, que fue un éxito masivo en los ránkings. Los demás números son:

* La pieza “The Endless Enigma”, que es también una canción interesante, tanto por los sonidos que utilizó la banda en la canción como por la letra.

* La segunda canción de la serie de historias del viejo oeste: “The Sheriff”.

* La adaptación del último número del ballet “Rodeo” de Aaron Copland: “Hoedown”, que resultó ser una pieza favorita de buena parte del público. El hoedown es un baile tradicional de los Estados Unidos, sobre todo de la parte de los Apalaches.

* La pieza que da título al disco: “Trilogy”, que comienza como una hermosa balada que de repente se transforma en una explosion de rock progresivo.

* “Living Sin” depara otra buena audición: tiene una letra bastante interesante y contiene un ritmo progresivo bastante bueno.

* Básicamente, la única canción que no es un punto alto aquí es la composición de Keith Emerson “Abaddon’s Bolero”, que es un tipo de marcha clásica que no cae bien con los sonidos de las demás canciones contenidas en el disco. La idea es parecida a la del Bolero de Ravel.

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DKaDa’7- Programa 21 de Junio de 2011

DkaDa’7 siempre con lo mejor de la música de los setenta.

No siempre ser hijo de un padre famoso es garantía de éxito. Hago esta aclaración porque en el marco del mes del Padre quise presentarles en el programa pasado el trabajo musical de algunos hijos de grandes figuras de la música de los setenta.

Para comenzar conocimos de algunas canciones de los hijos de los cuatro gigantes de Liverpool, The Beatles.

Vamos a comenzar con Dhani Harrison hijo de George Harrison. Hijo único del matrimonio de George Harrison y Olivia Trinidad Arias, su iniciación en el mundo de la música tuvo lugar durante la elaboración del álbum póstumo de su padre, Brainwashed. En el 2006, forma su primer grupo musical, Thenewno2, junto a Oli Hecks. Dhani tiene un increíble parecido físico con su padre.

Musicalmente hablando Dhani no tiene un estilo muy propio ya que fue y seguirá siendo influenciado por su padre.

Julian Lennon, también hijo único del matrimonio conformado por John Lennon y Cynthia Powell y medio hermano de Sean Lennon. El nombre de Julian viene a ser un homenaje a su difunta abuela, Julia.

James McCartney, es hijo del ex Beatle Sir Paul McCartney y de la fotógrafa y activista por los derechos de los animales Linda McCartney. Lanzó su primer EP, Available Light, el 21 de septiembre de 2010.

James es conocido en el negocio de la música, toca guitarra y batería, incluso co-escribió algunas canciones en algunos de los álbumes en solitario de su padre, incluyendo Flaming Pie (1997) y Driving Rain (2001). Flaming Pie tiene un solo de guitarra eléctrica en la canción “Heaven on a Sunday.” realizado por el y en Driving Rain, él co-escribió las canciones “Spinning on An Axis” y “Back In The Sunshine Again” con su padre, y tocaba la percusión en la pista antigua y la guitarra en el segundo.

Zak Starkey, es el hijo del baterista de The Beatles Ringo Starr con su primera mujer, Maureen Cox. Participó como baterista en algunas sesiones de The Who, grupo del cual es baterista en la actualidad. Anteriormente también ha trabajado con artistas de la talla de Oasis, Johnny Marr, Icicle Works, The Waterboys, ASAP, y The Lightning Seeds.

El hijo de Bob Dylan se llama Jakob y en 2008 publicó su 1º disco en solitario. Anteriormente estuvo unos 15 años con su grupo The Wallflowers,un grupo con el que consiguio un cierto éxito. Jakob como era de esperar esta muy influenciado por su padre y tiene (y tendrá siempre) el problema que todo lo que hace es comparado o relacionado con su padre.

La hija de Elvis Presley se llama Lisa Marie y es una chica que encontró tarde su vocación por la música. Publicó su 1º disco en 2003 cuando ya tenía 35 años. Después ha publicado otros dos discos y la verdad es que todavía no ha logrado consolidarse como una cantante de éxito.

Damian Marley

En esta familia todos los miembros han hecho música. La segunda generación Marley comenzó con Ziggy, pero es Damian quien finalmente consiguió atrapar el espíritu renovador del Reggae uniéndolo al Hip-Hop.

La lista se queda sumamente corta pues existe una gran cantidad de hijos de artistas famosos que no han tenido la suerte de sus padres.

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DKaDa’7- Programa 7 de Junio de 2011

DkaDa’7 siempre con lo mejor de la música de los setenta.

En esta oportunidad tocaremos el tema de uno de los estilos de música de los setentas, el Glam Rock.

El glam rock, también conocido como glitter rock, es un género musical nacido en Gran Bretaña, cuyo apogeo tuvo lugar entre 1971 y 1974. Su nombre es un apócope de la palabra “glamour”.

Nació en una época en la que el rock psicodélico derivó hacia unos estilos que abusaban del virtuosismo y los largos desarrollos en las canciones, en perjuicio de la frescura que se podía encontrar en el viejo rock’n'roll. Por ello, muchos artistas, como Marc Bolan de T.Rex y David Bowie, comenzaron a buscar esa espontaneidad perdida.

Si por algo se caracterizaba este estilo era por dar tanta importancia a su música como a su estética -o mejor dicho, su estética era también parte de su música-. Así que frente a la imagen de macho-rock imperante en esos días, ellos se rebelaron jugando con la ambigüedad sexual y exhibiendo una actitud descarada y provocativa.

El pionero fue Marc Bolan, entre cuyos “hallazgos” estéticos se encuentran los estampados de leopardo, las chisteras, las boas de pluma y la purpurina. Conforme iba creciendo el género se fueron popularizando los trajes futuristas brillantes, las botas con plataforma, los peinados imposibles y los kilos de maquillaje y purpurina que utilizaban. David Bowie también contribuyó al inspirarse en las travestis neoyorquinas del entorno de Andy Warhol, por cuya estética sentía predilección. Y así nació la extravagante imagen Glam, que solo podía haberse dado en una década tan propensa a los excesos estéticos como la de los 70.

La guinda en el pastel la puso la teatralidad que ostentaban en sus actuaciones, tomada directamente de las performances de Lindsay Kemp (actor, mimo y coreógrafo inglés) y del teatro de vanguardia.

Glitter Rock

El término se acuñó haciendo honor a Gary Glitter, después del enorme éxito que obtuvo en el año 1971 su canción ” Rock & roll” y hace referencia a la facción del glam más festiva y comercial.

Fue creada por Marc Bolan, líder de T. Rex, que fue el primer artista glam y el que mejor supo reunir en su música un poco de todas las corrientes que caracterizaban al género. Bolan puso las bases del Glam rock canónico con su Boogie Rock pegadizo, inspirado en melodías bailables y en potentes riffs de guitarra, añadiendo unas letras hedonistas y superficiales y una forma de cantar premeditadamente sexy.

Bajo la sombra del sonido creado por T. Rex, y siempre sin superarlo, surgieron multitud de grupos y artistas como Slade, Gary Glitter, Sweet, Mott The Hopple, Cockney Rebel o, Suzi Quatro, quienes a pesar del éxito de sus singles en las listas británicas, no sobrevivieron al declive del movimiento. Buena parte del éxito de muchos de estos artistas se debió a las producciones y composiciones de Nikky Chinn y Mike Chapman, auténticos reyes Midas del Glam Rock.

Genios del glam

Paralelamente a esta corriente, varios artistas cuyos talentos trascienden a cualquier clasificación estilística, también adoptaron la filosofía y el sonido Glam, pero dotándoles de mucha más sofisticación y profundidad tanto en la música como en las letras.

Por una parte estaba David Bowie, quien se convirtió en la mayor estrella del movimiento cuando mutó en Ziggy Stardust, un personaje de su invención cuyas vicisitudes cuenta en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, disco que inyectó al glam grandes dosis de dramatismo, convirtiéndose en el LP clave del género y considerado uno de los mejores discos de la historia del Rock. También ejerce de productor en varios de los discos más importantes del estilo. Mención especial merece Mick Ronson, guitarrista de su banda de acompañamiento “The Spiders From Mars” que contribuyó enormemente al sonido Glam con su forma hipnótica de tocar la guitarra.

Por su parte, Roxy Music, cuyos miembros más destacados fueron Bryan Ferry y Brian Eno, hacían un rock arty en el que cabían las baladas vanguardistas y la experimentación electrónica. Brian Eno dejó la formación después de su segundo disco For Your Plesaure. En su primer álbum en solitario, Here Comes The Warm Jets , siguió la tradición Glam, que abandonaría en su trayectoria posterior, más centrada en la música electrónica.

Incluso el sobrio Lou Reed sucumbió ante las lentejuelas y el rímel en esos días, después de que su anterior grupo, The Velvet Underground – que fue un claro precursor del Glam y el Punk en lo estrictamente musical- se disolviera. Fue entonces cuando firmó uno de los mejores discos de su carrera, Transformer, que fue producido por Bowie. En su siguiente disco, Berlin, recoge la vena más dramática y sórdida del Glam en un álbum conceptual al estilo de los que ideaba su amigo Bowie y en el que plantea la historia de una prostituta de dicha ciudad alemana.

El grupo Queen también estuvo vinculado a este estilo, pero ellos lo combinaban con Rock Progresivo y Hard Rock con tintes épicos. Obtuvieron una enorme popularidad que continuó hasta la muerte de su carismático líder, Freddie Mercury. El Glam también se puede intuir en la imagen extravagante y algo marciana de otro archiconocido artista de la época, Elton John.

Pocos años después, surgieron otros grupos de corta duración, como Cinema Bizarre, Tiger Lily y Slik, cuyos miembros formarían posteriormente la banda Ultravox.

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Fuete de información Wikipedia

DKaDa’7- Programa 17 de Mayo de 2011

DkaDa’7 siempre con lo mejor de la música de los setenta.

En este programa le dedicamos una hora a la memoria de Bob Marley en su trigésimo aniversario de fallecido. Para hablar y explicar un poco sobre las creencias y música del desaparecido cantante y compositor jamaicano tuvimos la compañía de nuestro buen amigo Carlos Pineda, quién fungió como Embajador de El Salvador en Trinidad y Tobago.

Robert Nesta Marley Booker (6 de febrero de 1945 – 11 de mayo de 1981), mejor conocido como Bob Marley, fue un músico y compositor jamaicano. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas de ska, rocksteady y reggae The Wailers (1964–1974) y Bob Marley & The Wailers (1974–1981). Marley sigue siendo el más conocido y respetado intérprete de la música reggae y es acreditado por ayudar a difundir tanto la música de Jamaica como el movimiento Rastafari (del que era un miembro comprometido) a una audiencia mundial.

Robert Nesta Marley nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe. Era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaicana que tenía 18 años[5] cuando nació Bob; y de Norval Marley, un jamaicano blanco de ascendencia inglesa (su familia provenía de Essex), capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), quien se consideraba inglés, debido a que al ingresar a las Fuerzas Armadas Británicas para la Primera Guerra Mundial, en el fomulario dijo ser inglés, para que no se le cuestionara mayor cosa (y porque en esa época Jamaica era una colonia del Reino Unido y su población blanca tenía la nacionalidad británica).

Bob Marley tuvo que soportar burlas y desprecios por parte de negros jamaiquinos por su condición de mulato (mestizo producto de la mezcla de blanco y negro), sobre todo en su niñez, adolescencia y temprana juventud (se dice que el hermano de su primera novia le dijo que “no queremos blancos en esta casa”). Pero después Bob se demostró indiferente a esos desaires y decía no avergonzarse de su mezcla racial; aunque él se identificaba simplemente como negro y esa fue la única parte de su herencia racial por la que demostró interés.

El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos “The Wailers”. Rita también comenzaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado “Pied Piper”, una versión de una canción pop inglesa. En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, Wail’N’Soul. A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. El grupo sobrevive fungiendo como compositores de una compañía asociada a un cantante estadounidense, Johnny Nash, quien en la década siguiente tendría un gran éxito con la canción “Stir It Up”, de Bob.

En el verano de 1971 Bob aceptó una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia, ocasión en que firmó un contrato con la CBS, que también era la discográfica del estadounidense. En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single “Reggae on Broadway”, pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época.

Exodus consolidó el estatus internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres sencillos – “Waiting in Vain”, “Exodus” y “Jammin’” – como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con Kaya, que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos sencillos: “Satisfy My Soul” e “Is This Love?”. En abril de 1978 volvió a Jamaica para el One Love Peace Concert, cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario, en un esfuerzo para frenar la violencia política y promover la reconciliación nacional.

Nada más comenzar la gira europea, Marley se hizo una herida en el pie jugando al fútbol. En Julio de 1977 se descubrió que se le había formado un melanoma acral lentiginoso, una forma maligna de melanoma, en el dedo gordo de su pie derecho. A pesar de su enfermedad, Bob deseó seguir adelante con las actuaciones programadas y ni se extirpó el cáncer ni se puso en tratamiento.

Después de ocho meses luchando sin éxito contra el cáncer, Marley tomó un avión de regreso a Jamaica. Durante el vuelo desde Alemania, sus funciones vitales comenzaron a fallar. Cuando el avión aterrizó, tuvo que ser trasladado de urgencia al hospital pues necesitaba atención médica inmediata. Murió en el Cedars of Lebanon Hospital, ahora Hospital Universitario de Miami, en la mañana del 11 de mayo de 1981, a la edad de 36 años. La expansión del cáncer que comenzara como un melanoma en su pie y la metástasis producida en sus pulmones y cerebro fueron la causa de su temprana muerte. Las últimas palabras a su hijo Ziggy Marley fueron el dinero no puede comprar la vida.

Marley recibió un funeral de estado el 21 de Mayo de 1981 que combinaba elementos de la iglesia ortodoxa etíope con los de la tradición rastafari. Fue enterrado con su guitarra Gibson Les Paul roja (algunos dicen que en realidad se trataba de una Fender Stratocaster) en una capilla próxima al lugar en donde nació.

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